Ο συγκρουσιακός και προκλητικός πίνακας “Οι δεσποινίδες της Αβινιόν” (Les Demoiselles d'Avignon) υπήρξε ταυτόχρονα αντικείμενο θαυμασμού και απέχθειας ήδη από τη στιγμή που δημιουργήθηκε. Περισσότερο από έναν αιώνα μετά, εξακολουθεί να προκαλεί έντονες αντιδράσεις και αντιπαραθέσεις.
Σήμερα, το έργο βρίσκεται ξανά στο επίκεντρο, καθώς ο καταξιωμένος Αμερικανός ζωγράφος Henry Taylor το επαναπροσέγγισε μέσα από τη δική του οπτική, με τη νέα εκδοχή να παρουσιάζεται σε μεγάλη έκθεση στο Musée Picasso στο Παρίσι.
Το 1907, ο Pablo Picasso κάλεσε έναν μικρό κύκλο φίλων και καλλιτεχνών στο ατελιέ του στο Παρίσι για να τους δείξει έναν πίνακα πάνω στον οποίο εργαζόταν επί έξι μήνες. Η αντίδραση ήταν σχεδόν καθολικά αρνητική: σοκ, αμηχανία και αποστροφή.
Ο Γάλλος ζωγράφος Georges Braque φέρεται να είπε ότι ήταν σαν να “έπινε κανείς πετρέλαιο”, ενώ ο Henri Matisse χαρακτήρισε τις γυναικείες μορφές του έργου “αποκρουστικές”. Ο πίνακας δεν παρουσιάστηκε δημόσια παρά μόνο το 1916, σχεδόν δέκα χρόνια αργότερα.
Σήμερα, το έργο θεωρείται ένα από τα πιο εμβληματικά αλλά και αμφιλεγόμενα δημιουργήματα του Picasso. Παράλληλα, αποτελεί πεδίο νέας συζήτησης για την επιρροή που άσκησε η αφρικανική τέχνη στον Ισπανό δημιουργό - μια επιρροή που, σύμφωνα με πολλούς ιστορικούς τέχνης, ο ίδιος απέφευγε συστηματικά να αναγνωρίσει δημόσια.
Ο πίνακας απεικονίζει πέντε γυμνές γυναίκες σε οίκο ανοχής της Βαρκελώνης. Δύο από τις μορφές έχουν πρόσωπα που θυμίζουν αφρικανικές μάσκες, ενώ τα σώματα παρουσιάζονται αποδομημένα, κοφτά και γεωμετρικά παραμορφωμένα. Το έργο αποτέλεσε καθοριστική καμπή στην πορεία του Picasso και θεωρείται θεμέλιο της γέννησης του Κυβισμού, του καλλιτεχνικού ρεύματος που εγκατέλειψε τη ρεαλιστική απεικόνιση υπέρ των θραυσματικών και γεωμετρικών μορφών.
Διαβάστε ακόμα: Τι γίνεται όταν χάνεται μια γλώσσα
Η επιμελήτρια του Musée Picasso, Joanne Snrech, εξηγεί ότι ο Picasso εγκατέλειψε την παραδοσιακή συναισθηματική και παραστατική ζωγραφική, διαλύοντας τις μορφές και επανεφευρίσκοντας τον τρόπο με τον οποίο απεικονίζονται ο χώρος και το ανθρώπινο σώμα.
Αρχικά, ο πίνακας έφερε τον τίτλο “Le Bordel d’Avignon” (“Το Μπορντέλο της Αβινιόν”), όμως το 1916 μετονομάστηκε σε “Les Demoiselles d’Avignon” (“Οι Δεσποινίδες της Αβινιόν”) ώστε να αμβλυνθούν οι αντιδράσεις.
Για πολλούς σύγχρονους του Picasso, ακόμη και για καλλιτέχνες που ήδη πειραματίζονταν με νέες μορφές έκφρασης, το έργο θεωρήθηκε υπερβολικά ριζοσπαστικό. Ο ίδιος δεν άλλαζε απλώς μία αισθητική παράμετρο· άλλαζε τα πάντα ταυτόχρονα.
Ωστόσο, οι καινοτομίες αυτές δεν εμφανίστηκαν από το πουθενά. Λίγους μήνες πριν δημιουργήσει τον πίνακα, ο Picasso είχε αναπτύξει έντονο ενδιαφέρον για αφρικανικές μάσκες και γλυπτά, εμπνευσμένος από ένα μικρό γλυπτό από τη σημερινή Λαϊκή Δημοκρατία του Κονγκό, το οποίο είχε αποκτήσει ο Matisse το 1906 στο Παρίσι.
Ο Picasso άρχισε να επισκέπτεται συστηματικά το αφρικανικό τμήμα του Musée d'Ethnographie du Trocadéro, δημιουργώντας εκατοντάδες προσχέδια πριν ολοκληρώσει το έργο.
Σύμφωνα με τη Snrech, εκείνο που τον επηρέασε δεν ήταν μόνο η αισθητική των αντικειμένων αλλά και ο τρόπος λειτουργίας τους: πρόσωπα απλοποιημένα, παραμορφωμένα, συχνά έντονα και ανησυχητικά. Αυτή η διαφορετική προσέγγιση τού επέτρεψε να απομακρυνθεί από τον νατουραλισμό και να κινηθεί προς κάτι πιο αφηρημένο και επιθετικό.
Παρά την προφανή επίδραση της αφρικανικής τέχνης στο έργο του, ο Picasso φέρεται να υποβάθμιζε συστηματικά τη σημασία της. Το 1920 είχε δηλώσει σε κριτικό τέχνης ότι “δεν είχε ακούσει ποτέ” για αφρικανική τέχνη, γεγονός που αργότερα οδήγησε σε κατηγορίες περί πολιτιστικής οικειοποίησης.
Οι επικριτές του επισημαίνουν ότι αξιοποίησε αισθητικά στοιχεία αφρικανικών αντικειμένων χωρίς να αναγνωρίσει το πολιτιστικό, κοινωνικό ή θρησκευτικό τους βάθος, ενισχύοντας παράλληλα τη δυτική αντίληψη της εποχής που χαρακτήριζε την αφρικανική τέχνη “πρωτόγονη”.
Έναν αιώνα αργότερα, ο Henry Taylor επέστρεψε στον εμβληματικό πίνακα του Picasso κατά τη διάρκεια επίσκεψής του στο Παρίσι για την πρώτη ευρωπαϊκή ατομική του έκθεση το 2007. Η δική του εκδοχή, με τίτλο From Congo to the Capital and Black Again, παρουσιάζεται σήμερα στο Musée Picasso.
Ο Taylor διατηρεί τη βασική σύνθεση του έργου - τις πέντε γυναικείες μορφές και τα χαρακτηριστικά “μασκοειδή” πρόσωπα - αλλά μετατρέπει τις αρχικά λευκές φιγούρες σε μαύρες, αναδεικνύοντας πολύ πιο ξεκάθαρα τη σχέση του έργου με την αφρικανική τέχνη.
Γνωστός για την ενασχόλησή του με τη ζωή και την εμπειρία των μαύρων Αμερικανών, ο Taylor επανερμηνεύει τον πίνακα μέσα από διαφορετικό πολιτισμικό και κοινωνικό πρίσμα. Σύμφωνα με τη Snrech, το έργο του δίνει παρουσία και ατομικότητα σε ανθρώπους που ιστορικά υποεκπροσωπούνταν στην τέχνη.
Η αντιπαράθεση ανάμεσα στα δύο έργα δεν αφορά μόνο την αισθητική αλλά και τη σχέση εξουσίας, ταυτότητας και εκπροσώπησης.
Παράλληλα, τα δύο έργα φωτίζουν και διαφορετικές προσεγγίσεις απέναντι στις γυναίκες. Η προβληματική προσωπική ζωή του Picasso και οι συχνά σκληρές απόψεις του για το γυναικείο φύλο έχουν πλέον συνδεθεί αναπόφευκτα με την ανάγνωση των έργων του.
Ο ίδιος είχε πει κάποτε στη ζωγράφο Françoise Gilot ότι “όλες οι γυναίκες είναι είτε θεές είτε χαλάκια εξώπορτας” και ότι αποτελούν “μηχανές βασανισμού”.
Για αρκετούς κριτικούς, η βίαιη αποδόμηση των σωμάτων στις “Δεσποινίδες της Αβινιόν” δεν μοιάζει απλώς αισθητική επιλογή αλλά αντανάκλαση μιας βαθύτερης προσωπικής στάσης.
Στην εκδοχή του Taylor, αντίθετα, οι γυναικείες μορφές παραμένουν αφαιρετικές αλλά εμφανίζονται λιγότερο διαμελισμένες και περισσότερο δυναμικές παρά επιθετικές.
Η κεντρική φιγούρα του έργου του Taylor θυμίζει εμφανισιακά την Josephine Baker, την πρώτη μαύρη γυναίκα που εξελίχθηκε σε παγκόσμιο καλλιτεχνικό σύμβολο. Με αυτή την αναφορά, ο Taylor εισάγει ζητήματα φυλής, ταυτότητας και πολιτισμικής εκπροσώπησης.
Ο τίτλος “From Congo to the Capital and Black Again” παραπέμπει τόσο στο αφρικανικό γλυπτό που ενέπνευσε τον Picasso όσο και στη μεταφορά της αφρικανικής τέχνης από το Κονγκό στο Παρίσι. Ταυτόχρονα, ο Taylor “κάνει ξανά μαύρο” τον πίνακα, επαναφέροντας στο προσκήνιο τους ανθρώπους και την πολιτισμική κληρονομιά που, κατά τη δική του ανάγνωση, είχαν παραμεριστεί.
Στην άκρη του πίνακα εμφανίζεται επίσης ένα αποκομμένο λευκό ανδρικό χέρι με χρυσό ρολόι, που αγγίζει μία από τις γυναικείες μορφές. Πιθανόν πρόκειται για αναφορά στους δύο άνδρες χαρακτήρες - έναν ναύτη και έναν φοιτητή ιατρικής - που ο Picasso αρχικά σκόπευε να συμπεριλάβει στη σύνθεση.
Όπως σημειώνει η Snrech, ο Henry Taylor δεν περιορίζεται στο να αναπαράγει τον Picasso· τον αμφισβητεί, τον επανερμηνεύει και ανοίγει ξανά μια συζήτηση γύρω από την τέχνη, την εξουσία και τη μνήμη.
Add comment
Comments