Paul Cezanne: Ο ζωγράφος που κάποτε θεωρούσαν «παράξενο» και τελικά άλλαξε για πάντα την τέχνη

Ο Cezanne φαινόταν να ζωγραφίζει όχι αυτό που βλέπει το μάτι σε ένα κλάσμα του δευτερολέπτου, αλλά αυτό που ανακαλύπτει το βλέμμα καθώς κινείται γύρω από τα πράγματα.

Και αυτή η ιδέα θα αποδεικνυόταν εκρηκτική.

Ένας μικρός έμπορος στο Παρίσι και η αρχή μιας επανάστασης

Στα τέλη της δεκαετίας του 1880, ο Cezanne είχε ουσιαστικά απομακρυνθεί από τον επίσημο καλλιτεχνικό κόσμο. Δεν κυνηγούσε πλέον εκθέσεις. Όμως οι πίνακές του μπορούσαν να βρεθούν σε ένα μικρό κατάστημα χρωμάτων στο Παρίσι.

Ήταν το μαγαζί του Julien «Père» Tanguy. Ο Tanguy πουλούσε υλικά ζωγραφικής και συχνά δεχόταν πίνακες από φτωχούς καλλιτέχνες αντί χρημάτων. Στο κατάστημά του άρχισαν να εμφανίζονται έργα του Cezanne. Και εκεί τα ανακάλυψε μια νέα γενιά ζωγράφων.

Αυτό που για το επίσημο καλλιτεχνικό σύστημα έμοιαζε ατελές ή αδέξιο, για εκείνους έμοιαζε με ελευθερία. Η ζωγραφική δεν ήταν υποχρεωμένη να αντιγράφει τον κόσμο. Μπορούσε να τον ανακατασκευάζει.

Μετά ήρθε ο Ambroise Vollard

Η πραγματική αλλαγή στη δημόσια αναγνώριση του Cezanne ήρθε το 1895. Ο νεαρός έμπορος τέχνης Ambroise Vollard οργάνωσε στο Παρίσι μια μεγάλη ατομική έκθεση έργων του. Για πολλούς καλλιτέχνες της νεότερης γενιάς ήταν αποκάλυψη.

Ξαφνικά μπορούσαν να δουν συγκεντρωμένο το έργο ενός ανθρώπου που μέχρι τότε κυκλοφορούσε σχεδόν υπόγεια στον παρισινό καλλιτεχνικό κόσμο. Και άρχισε κάτι εκπληκτικό.

Οι ζωγράφοι άρχισαν να κοιτούν τον Cezanne περισσότερο απ' όσο τον κοιτούσαν τα μουσεία.

Ο Matisse, ο Picasso και η επόμενη γενιά

Η επιρροή του άρχισε να εξαπλώνεται. Ο Henri Matisse απέκτησε έργο του και θεωρούσε τη ζωγραφική του σημείο αναφοράς. Ο Pablo Picasso μελέτησε επίμονα τον τρόπο με τον οποίο ο Cezanne μεταμόρφωνε τα σώματα, τα τοπία και τα αντικείμενα σε γεωμετρικές σχεδόν κατασκευές.

Και κάπου εδώ εμφανίζεται η μεγάλη ιστορική συνέχεια. Ο Cezanne δεν έγινε κυβιστής. Αλλά χωρίς τον Cezanne είναι δύσκολο να φανταστούμε τον κυβισμό.

Δεν εγκατέλειψε την αναπαράσταση. Όμως έδειξε στους επόμενους ότι ένα αντικείμενο δεν χρειαζόταν να παρουσιάζεται από μία μόνο σταθερή οπτική γωνία.

Ο Picasso και ο Georges Braque θα προχωρούσαν πολύ περισσότερο. Θα έσπαγαν τα αντικείμενα. Θα παρουσίαζαν διαφορετικές όψεις τους ταυτόχρονα. Και η ζωγραφική θα έπαυε οριστικά να λειτουργεί σαν παράθυρο μέσα από το οποίο κοιτάζουμε έναν τρισδιάστατο κόσμο.

Ο πίνακας μπορούσε πλέον να είναι ένας αυτόνομος κόσμος.

Γιατί τόσα μήλα;

Υπάρχει κάτι σχεδόν κωμικό στην ιδέα ότι ένας από τους ανθρώπους που άλλαξαν την ιστορία της δυτικής τέχνης πέρασε τόσο πολύ χρόνο ζωγραφίζοντας μήλα.

Όμως τα μήλα ήταν για τον Cezanne το ιδανικό εργαστήριο. Δεν κινούνταν. Δεν παραπονιούνταν. Μπορούσε να τα μετακινήσει. Να αλλάξει τη σχέση τους με το τραπέζι, το πιάτο, το μπουκάλι ή το ύφασμα.

Και μπορούσε να εξετάσει ξανά και ξανά το ίδιο πρόβλημα: πώς μετατρέπεις έναν τρισδιάστατο κόσμο σε μια επίπεδη ζωγραφική επιφάνεια χωρίς να προσποιείσαι ότι η επιφάνεια δεν υπάρχει;

Ένα μήλο μπορούσε έτσι να γίνει κάτι πολύ περισσότερο από νεκρή φύση. Μπορούσε να γίνει πείραμα πάνω στην ίδια τη φύση της ζωγραφικής. Γι' αυτό και η κληρονομιά των μήλων του φτάνει πολύ μακριά.

Στην έκθεση του Grand Palais, για παράδειγμα, τα "Pommes et biscuits" του Cezanne του 1880 μπορούν να συνομιλήσουν με τα "Two Apples" του Roy Lichtenstein, ζωγραφισμένα περισσότερο από έναν αιώνα αργότερα.

Και γιατί τόσοι λουόμενοι;

Υπάρχει ένα δεύτερο θέμα στο οποίο ο Cezanne επέστρεφε εμμονικά. Οι λουόμενοι. Άνδρες και γυναίκες δίπλα στο νερό. Αλλά οι άνθρωποί του δεν είναι τα εξιδανικευμένα σώματα της κλασικής ζωγραφικής. Μερικές φορές μοιάζουν βαρείς. Άλλοτε άκαμπτοι. Σχεδόν σαν να αποτελούν μέρος του ίδιου του τοπίου.

Τα σώματα, τα δέντρα και το έδαφος κατασκευάζονται με την ίδια λογική. Η ανθρώπινη μορφή παύει να είναι ο απόλυτος πρωταγωνιστής. Γίνεται ένα ακόμη στοιχείο της σύνθεσης.

Η έκθεση στο Παρίσι χρησιμοποιεί ακριβώς τέτοιες αντιπαραθέσεις για να δείξει πώς οι μεταγενέστεροι δημιουργοί πήραν τις ιδέες του και τις μετέφεραν σε εντελώς διαφορετικές κατευθύνσεις.

Sainte-Victoire: το βουνό που δεν τελείωσε ποτέ

Και ύστερα υπάρχει το βουνό. Η Montagne Sainte-Victoire υψώνεται κοντά στην Aix-en-Provence. Για τον Cezanne έγινε κάτι πολύ περισσότερο από τοπίο. Επέστρεφε ξανά και ξανά μπροστά της. Άλλαζε θέση. Άλλαζε απόσταση. Άλλαζε φως. Άλλαζε εποχή. Αλλά το βουνό παρέμενε.

Στους πρώτους πίνακες υπάρχει ακόμη αρκετά καθαρή αίσθηση τοπίου. Στους μεταγενέστερους, όμως, τα πράγματα αρχίζουν σχεδόν να διαλύονται. Ο ουρανός, το βουνό, τα δέντρα και τα σπίτια κατασκευάζονται από χρωματικές επιφάνειες.

Η φύση βρίσκεται ακόμη εκεί. Αλλά βρισκόμαστε επικίνδυνα κοντά στην αφαίρεση. Στο Grand Palais, οι Sainte-Victoire του Cezanne οδηγούν το βλέμμα προς καλλιτέχνες που έφτασαν πολύ μακρύτερα από εκείνον.